Das Leben und das traurige Ende von Heinz Rühmann. Welche Herausforderungen und Schicksalsschläge prägten das Leben des legendären Schauspielers, und wie verlief sein letzter Lebensabschnitt voller Emotionen und Rückschläge?
Heinz Rühmann – Ein Leben zwischen Komik, Tragik und zeitloser Popularität
Es gibt Schauspieler, die mehr sind als nur Darsteller auf der Leinwand. Sie verkörpern ganze Epochen, werden zu Symbolen eines Landes, einer Kultur, ja fast zu Familienmitgliedern für Generationen von Zuschauern. Heinz Rühmann gehört zweifellos zu diesen Gestalten. Geboren 1902 in Essen, gestorben 1994 am Starnberger See, war er mehr als neun Jahrzehnte lang Zeitzeuge, Künstler, Komiker, Opportunist, Überlebender – und bis heute einer der beliebtesten deutschen Schauspieler. Seine Biographie ist ein Panorama des 20. Jahrhunderts, mit all seinen Umbrüchen, Widersprüchen und Sehnsüchten.
Kindheit in Wanne-Eickel
Heinrich Wilhelm Rühmann, so sein voller Name, wuchs in einfachen, aber nicht unglücklichen Verhältnissen auf. Sein Vater betrieb das Bahnhofrestaurant in Wanne-Eickel, eine Goldgrube, die von Reisenden und Einheimischen gleichermaßen geschätzt wurde. Doch hinter der Fassade der bürgerlichen Sicherheit verbarg sich familiäre Spannung. Rühmann selbst erinnerte sich später an ein schwieriges Verhältnis zum Vater, der ihn schon als Kind vor Gästen auftreten ließ. Der kleine Heinz musste Lieder singen oder Verse aufsagen – ein früher Vorgeschmack auf das Rampenlicht, wenn auch nicht immer freiwillig.
Mit elf Jahren zog die Familie nach Essen, wo der Vater das Hotel Handelshof übernahm. Doch das ehrgeizige Projekt endete im finanziellen Ruin. 1915 nahm sich der Vater das Leben. Die Mutter blieb mit drei Kindern zurück und zog nach München, angelockt von günstigeren Lebensbedingungen und dem kulturellen Ruf der Stadt. Für Heinz war dieser Einschnitt prägend: die Mischung aus Verlust, Aufbruch und einer Welt, die trotz Härte auch neue Chancen bot.
Erste Schritte auf der Bühne
Schon als Schüler entdeckte Rühmann seine Leidenschaft für das Theater. Er brach das Gymnasium ab, um Schauspielunterricht zu nehmen – sehr zum Missfallen mancher Verwandten, die lieber einen „soliden Beruf“ für ihn gesehen hätten. Doch der junge Heinz besaß eine eiserne Entschlossenheit.
Seine ersten Engagements verliefen allerdings ernüchternd. Als romantischer Liebhaber wirkte er wenig überzeugend, er war zu klein, zu unscheinbar, zu weit entfernt vom Ideal des strahlenden Helden. In Breslau wurde er gar wegen „Talentlosigkeit“ entlassen.
Der Wendepunkt kam 1922 in Hannover. Dort sprach er eine Nebenrolle mit demonstrativer Gleichgültigkeit, fast trotzig, als „beleidigte Leberwurst“. Zu seiner Überraschung reagierte das Publikum mit Begeisterung. Ausgerechnet sein grummeliger, lässiger Ton brachte Lacher und Applaus. Rühmann hatte sein komisches Talent entdeckt – und eine Karriere nahm ihren Lauf.
Der Durchbruch im Film
Mit dem Aufstieg des Tonfilms eröffnete sich für Rühmann ein neues Feld. Seine Stimme, leicht heiser und doch unverwechselbar, passte perfekt zu den neuen Medien. Der große Durchbruch kam 1930 mit dem UFA-Film „Die Drei von der Tankstelle“, an der Seite von Willy Fritsch und Oskar Karlweis. Von da an war Rühmann ein Star.
Er spielte kleine Leute, Angestellte, Handwerker, Träumer – Figuren, die nahbar waren und denen man vertraute. Rühmann war nie der glamouröse Held, sondern der Durchschnittsmann, der mit Witz und Herz durchs Leben stolperte. Genau darin lag seine Stärke: Er spiegelte den Zuschauern ihre eigenen Sorgen und Hoffnungen wider.
Kino im „Dritten Reich“
Zwischen 1933 und 1945 drehte Rühmann fast fünfzig Filme. Werke wie „Quax, der Bruchpilot“ oder „Die Feuerzangenbowle“ wurden Kassenschlager. Die Nationalsozialisten, allen voran Propagandaminister Joseph Goebbels, sahen in ihm einen „volksaufheiternden“ Künstler. Seine Filme wurden als kriegswichtig eingestuft, weil sie Ablenkung und gute Laune versprachen.
Doch Rühmann selbst war kein glühender Nazi. Er hielt sich politisch bedeckt, manövrierte vorsichtig und wurde deshalb später oft als Opportunist bezeichnet. Er stand auf der sogenannten „Gottbegnadeten-Liste“, die ihn vom Fronteinsatz befreite. Kritiker warfen ihm vor, durch seine unpolitischen Komödien indirekt zur Stabilisierung des Regimes beigetragen zu haben. Seine Verteidiger betonten dagegen, dass er sich weigerte, Propagandafilme mit eindeutig politischem Inhalt zu drehen. Die Wahrheit liegt wohl in der Mitte: Rühmann überlebte, indem er lachte – und andere zum Lachen brachte.
Tragödien im Privatleben
Während das Publikum den Komiker liebte, war Rühmanns Privatleben von Dramen geprägt. Seine erste Ehe mit der Schauspielerin Maria Bernheim zerbrach unter politischem Druck – sie war Jüdin, und die Nazis verlangten die Scheidung. Rühmann half ihr später, nach Schweden zu emigrieren.
1939 heiratete er die Wiener Schauspielerin Hertha Feiler, mit der er einen Sohn bekam. Doch das Glück war nicht von Dauer: 1952 starb der Sohn Peter bei einem Autounfall. 1970 erlag Hertha Feiler einer Krebserkrankung. Beide Verluste stürzten Rühmann in tiefe Krisen, die er nur schwer überwand. Erst 1974 fand er in Hertha Droemer, seiner dritten Frau, neue Stabilität.
Nach dem Krieg – neue Rollen, neue Anerkennung
Nach 1945 durfte Rühmann zunächst nicht drehen. Doch bald wurde er entnazifiziert, und seine Karriere nahm erneut Fahrt auf. In den 1950er und 1960er Jahren zeigte er, dass er weit mehr konnte als nur Komödien. Filme wie „Der Hauptmann von Köpenick“ (1956), „Es geschah am hellichten Tag“ (1958) oder „Der brave Soldat Schwejk“ (1960) bewiesen seine Wandlungsfähigkeit.
Seine Darstellung des kleinen Mannes, der gegen Bürokratie und Ungerechtigkeit aufbegehrt, machte ihn zum moralischen Gewissen der Bundesrepublik. Gleichwohl blieb er seinem komödiantischen Kern treu – er war der „freundliche Nachbar“ des deutschen Kinos, charmant, witzig und zugleich tiefgründig.
Leidenschaft für die Bühne und das Fliegen
Neben dem Film liebte Rühmann das Theater. Er spielte an den Münchner Kammerspielen, am Wiener Burgtheater, sogar an der Staatsoper in Operetten wie „Die Fledermaus“. Spät im Leben übernahm er auch ernste Rollen wie den Willy Loman in „Tod eines Handlungsreisenden“.
Seine zweite große Leidenschaft war die Fliegerei. Schon in den 1930er Jahren machte er den Pilotenschein, flog Kunstflugmanöver und besaß eigene Maschinen. Viele Filme finanzierte er, wie er später scherzte, „um wieder fliegen zu können“. Bis ins hohe Alter saß er im Cockpit.
Späte Jahre und Vermächtnis
Noch in den 1990er Jahren stand Rühmann vor der Kamera. In Wim Wenders’ „In weiter Ferne, so nah!“ (1993) spielte er einen alten Chauffeur – sein letzter Auftritt, voller Melancholie und Weisheit. Am 3. Oktober 1994 starb er im Alter von 92 Jahren in Aufkirchen am Starnberger See.
Sein Tod löste eine Welle der Trauer aus. Millionen Deutsche nahmen Abschied von „ihrem Heinz“. 1995 erhielt er posthum die Goldene Kamera als „größter deutscher Schauspieler des Jahrhunderts“.
Ein zwiespältiges, aber faszinierendes Erbe
War Heinz Rühmann ein Opportunist, der sich im Dritten Reich angepasst hat? Oder war er ein unpolitischer Künstler, der mit Humor Millionen Trost spendete? Die Debatte ist bis heute nicht abgeschlossen. Doch unbestreitbar ist: Sein Werk hat Generationen geprägt.
Filme wie „Die Feuerzangenbowle“ gehören zum kollektiven Gedächtnis der Deutschen, werden jedes Jahr wieder ausgestrahlt und gefeiert. Lieder wie „Ein Freund, ein guter Freund“ oder „Das kann doch einen Seemann nicht erschüttern“ sind längst Volksgut.
Rühmann selbst blieb bis zuletzt bescheiden. „Ich glaube nicht, dass ich ein sehr mutiger Mann war“, sagte er kurz vor seinem Tod. Vielleicht war er kein Held. Aber er war ein Überlebenskünstler – einer, der mit Charme, Witz und Menschlichkeit durch ein Jahrhundert voller Brüche ging.
Schluss
Heinz Rühmann war Komiker, Charakterdarsteller, Publikumsliebling. Er war Ehemann, Vater, Witwer, Pilot, Clown. Vor allem aber war er eines: ein Spiegel seiner Zeit. Mit allen Widersprüchen, Tragödien und Triumphen.
Sein Lachen hallt noch heute nach – nicht nur als Unterhaltung, sondern als Erinnerung daran, wie Kunst selbst in dunklen Zeiten Hoffnung schenken kann.
